Como toda la cultura del país, la música de México es fruto del mestizaje que se dio entre las tradiciones europeas americana y africana, entre otras. La música mexicana es sumamente variada e incluye diversos estilos determinados por la región geográfica de proveniencia, así por las diferentes épocas de desarrollo. En la imagen tenéis una representación de uno de los géneros más afamados de México, el corrido, en ellos se expresaban las aspiraciones revolucionarias de este pueblo, como en el de "La Cucaracha".
A continuación, tenéis un grupo de mariachis interpretando "Mi Jalisco", os propongo que lo veáis e identifiquéis los instrumentos utilizados.
En la Unidad 4, dentro de las músicas tradicionales de España, vamos a trabajar el Flamenco. Lo primero, es aclarar que este género trasciende lo tradicional para convertirse en una música dotada de una personalidad propia, que aunque tiene su origen en Andalucía, a traspasado fronteras convirtiéndose en un referente de lo español. Los primeros documentos que nos hablan de flamenco proceden de finales del Siglo XVIII, siendo en la segunda mitad del XIX y principios del XX, cuando se establezcan los palos fundamentales de este género, como soleares, alegrías, tangos, bulerías,etc. Aunque en ocasiones ha estado denostado por los intelectuales y utilizado por la dictadura franquista con pretensiosnes propagandísticas, es una manifestación artística de primer orden, reflejo de la multiculturalidad del pueblo español y de sus pasiones más exacerbadas. Ahora, nos vamos a trasladar a Cádiz y vamos a escuchar un tango cantado por Camarón de la Isla.
Por último, vamos a terminar escuchando al Porrina de Badajoz, buque insignia de nuestro mejor flamenco.
En la Unidad 13, trabajaremos la Música y los Medios de Comunicación, concretamente la radio, televisión y cine. Vamos a utilizar este medio para profundizar en este tema, comenzando por emisoras online especializadas en diferentes géneros musicales, donde analizaremos sus programaciones y escucharemos algún fragmento de un programa que se esté emitiendo durante la clase.
A continuación, veremos el videoclip "Thriller", del recientemente desaparecido Michael Jackson, buen ejemplo de la repercusión que para la promoción musical tiene la televisión, ya que este es el disco más vendido de la historia, con más de 110 millones de copias. Por último, debéis ver las siguientes escenas correspondientes a dos grandes películas:"La Misión", cuya banda sonora compuso Ennio Morricone y "Desayuno con Diamantes", donde Henry Manccini realizó una de sus mejores bandas sonoras, especialmente esta adorable canción que tiene por título "Moon River". Una vez que las hayáis visto, ¿sabríais determinar en cuál de ellas la música es de fondo y en cuál de pantalla?.
En la Unidad 5 vamos a trabajar la última de las Cualidades del sonido, el Timbre. Directamente relacionado con éste veremos la instrumentación u orquestación, para lo que os propongo una actividad. Consiste en ir anotando los instrumentos que aparecen en el vídeo que tenéis a continuación, identificándolos y clasificándolos en su familia y subfamilia correspondiente. La orquestación de "Cuadros de una Exposición" se debe a Maurice Ravel, como el famoso "Bolero", pero en este caso el compositor no es él sino M. Mussorgsky, quien la compuso para piano sólo.
A comienzos del siglo XX se produjo un movimiento cultural surgido en Alemania al que se le denominó Expresionismo, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismofrancés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–. El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripciónobjetiva de la realidad. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. En relación a todo esto, tenéis aquí un vídeo extraído del Museo Thyssen, en el que se nos dan las claves de una exposición dedicada a las Vanguardias y la Gran Guerra.
El expresionismo otorgó mucha importancia a la música, ligada estrechamente al arte sobre todo en el grupo Der Blaue Reiter: para estos artistas, el arte es comunicación entre individuos, por medio del alma, sin necesidad de un elemento externo. El artista ha de ser creador de signos, sin la mediación de un lenguaje. La música expresionista, siguiendo el espíritu de las vanguardias, pretendía desligar la música de los fenómenos objetivos externos, siendo instrumento únicamente de la actividad creadora del compositor y reflejando principalmente su estado anímico, fuera de toda regla y toda convención, tendiendo a la esquematización y a las construcciones lineales, en paralelo a la geometrización de las vanguardias pictóricas del momento.
Entre los músicos expresionistas destacaron especialmente Arnold Schönberg, Alban Berg y Anton von Webern, trío que formó la llamada Segunda Escuela de Viena. A continuación, podéis escuchar un ejemplo sonoro, concretamente "Pierrot Lunaire", composición del primero de los tres y pionero del movimiento. Inspirado en el ambiente de cabaret vienés, consiste en tres grupos de siete poemas: en el primer grupo Pierrot canta sobre el amor, el sexo y la religión; en el segundo, sobre la violencia, el crimen y la blasfemia; y en el tercero sobre su regreso a casa en Bérgamo, con su pasado acechándolo.
Como estamos trabajando el Impresionismo, recordaros que en el viaje que vamos a realizar a París visitaremos el museo que contiene una mayor colección de obras pictóricas impresionistas, entre las que encontraremos a Renoir, Degas, Monet, Pissarro, me refiero evidentemente al Orsay. Aquí os dejo su página web para que le echéis un vistazo.
Seguimos avanzando, ahora nos vamos a detener en uno de los estilos que tradicionalmente se ha relacionado de forma más directa tanto con la literatura, concretamente con la poesía simbolista y Mallarmé, como con la pintura, de la que toma su nombre, me refiero evidentemente al impresionismo. Del 15 de Enero al 22 de Abril, la Fundación Mapfre expone en Madrid una colección de pinturas impresionistas y de otros artistas contemporáneos a estos, os recomiendo que visitéis su página y hagáis un paseo virrtual por sus diferentes salas, donde podréis acercaros a obras de Manet, Monet, Renoir, Pissarro o Degas, entre otros.
El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica. En esta corriente se da mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, como ya os comenté, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel.
Del primero de ellos os invito a escuchar su "Claro de luna", donde vais a observar algunas de las cuestiones que se acaban de apuntar. Antes de concluir, me gustaría comentar que en España este movimiento tuvo gran repercusión, ya que muchos de los más importantes compositores españoles del momento viajaron a París para ampliar sus conocimientos, ese es el caso de Manuel de Falla, siendo especialmente visible esta influencia en sus "Noches en los jardines de España" que aquí podéis escuchar.
En la segunda mitad del siglo XIX, surgió en Italia un estilo operístico que tomó su nombre de un género literario contemporáneo, llamado verismo. Esta corriente encontró su inspiración en el naturalismo francés, caracterizado por el tratamiento de temas cotidianos y actuales con un estilo simple y directo, en contraposición con el romanticismo.En Italia, la corriente se cimentaba en una postura profundamente pesimista y en la idea de que el escritor no debe involucrarse en la historia, ni imponer puntos de vista personales.
Pero en general el término verismo no es asociado a una corriente literaria, sino a la música. La ópera verista de Italia comparte con el naturalismo —cuyo mayor representante en al ámbito de la ópera es Carmen de Bizet— el planteo de escenas crueles, pasiones mortales y las más crudas bajezas. Sus personajes, lejos de los héroes que habían poblado la ópera hasta el momento, son hombres comunes aunque de una psicología compleja, y destinos trágicos. En cuanto a lo musical, la ópera verista se caracteriza por la declamación, que pretende dotar de realismo a la escena, por el uso del leitmotiv y de melodías concebidas con la intención de crear escenarios, representar acciones, identificar personajes y reflejar sentimientos. Se caracteriza, también, por la continuidad de la música y por lo difícil que resulta dividir la partitura en escenas o números. Los compositores veristas, en este sentido, recurrieron mucho a Wagner. Entre los compositores más importantes de esta corriente se encuentran Mascagni, Giordano o Cilea, pero todos ellos quedaron eclipsados por Puccini, aunque no podemos identificar todas sus obras con esta tendencia.
Del primero de ellos vamos a escuchar el fragmento que para mi refleja mejor las características del verismo, me refiero al aria "Vesti la giubba" de su ópera "Il Pagliacci". Por cierto, este fue una de los primeros registros sonoros de la historia de la fonografía, concretamente de 1906, por el tenor italiano Enrico Caruso. Tenéis aquí dos versiones del mismo aria, la primera del tenor que os acabo de mencionar y la segunda mucho más actual, del recientemente desaparecido Luciano Pavaroti.
Será en la ópera y en los poemas y sinfonías programáticas donde encontremos más referencias a cuestiones extramusicales durante el período que estamos trabajando, el primer género por su capacidad dramática y el segundo por traspasar los límetes de la música, utilizando esta como medio para transmitirnos ideas literarias, ideológicas,etc. De hecho, los nacionalismos se sirvieron de la música para expresar sus aspiraciones, recordemos el famoso pasaje de la ópera "Nabuco" de G. Verdi, utilizado por sus compatriotas italianos como himno revolucionario frente a la dominación exterior y como baluarte de la reunificación italiana. En otras ocasiones, serán los compositores los que se servirán de las ideologías nacionalistas para contrarrestar la dominación musical germánica, utilizando para ello la música tradicional de cada uno de sus países de origen e insertándolas de distinto modo en sus composiciones "cultas". Del primer caso podéis escuchar "El coro de los esclavos" de G. Verdi y del segundo, "Huapango", considerada la obra nacionalista Mexicana por excelencia de José Pablo Moncayo.
La música, como manifestación artística enmarcada en un determinado momento histórico, no se encuentra ajena a los condicionantes sociales, religiosos, económicos o políticos. Así, podemos ver como afectó en el ámbito de la música vocal religiosa la Reforma Protestante iniciada por Lutero o su contrapartida Católica emanada del Concilio de Trento. Son muchos los ejemplos que podría mencionar a lo largo de la historia, aunque me voy a centrar en el Romanticismo y las corrientes artísticas que se desarrollaron desde finales del siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial, ya que pretendo aportar a la vez un granito de arena, o más bien de música, en la contextualización artística que pretende realizar el departamento de Ciencias Sociales en 1º de Bachillerato. Comenzando por el Romanticismo, vemos como la música adquiere un rango como manifestación artística hasta ahora impensable, esto lleva a la consideración del compositor como un ser casi sobrenatural y a una demanda de nuevas obras, para el consumo fundamentalmente de la burgesía, que provoca el desarrollo de grandes editoriales, estableciendose como una importante industria con fuertes ingresos económicos. Estamos en los albores del fenómeno de masas y el nacimiento de los fans en el mundo musical. El compositor que mejor refleja estos cambios que se produjeron durante la primera mitad del siglo XIX es Franz Liszt, del que os invito a escuchar una obra impresionante, "Totentanz"(Danza de los muertos).
Una forma interesante de acercarse a la historia de la música es a través de textos escritos por músicos, teóricos, escritores o filósofos. Aquí, os dejo algunos que me han parecido especialmente interesantes. Fijaros las diferencias existentes entre ellos como resultado de las concepciones ideológicas y sociológicas en las que se enmarcan.
"Debéis saber que a mí no me parece un buen cortesano el que no sea además músico y sea capaz de tocar algún instrumento, porque si lo pensamos bien, no hay mejor descanso para los trabajos ni medicina para las almas más honesta y elogiable que ésta..." B. DE CASTIGLIONE. El Cortesano.
"Comemos hacia las doce, desgraciadamente un poco pronto para mí. Los comensales somos dos ayudas de cámara (...), el pastelero, los dos cocineros y...mi insignificante parsona. Por cierto, los dos ayudas de cámara se sientan a la cabecera de la mesa, y yo tengo al menos el honor que me consideren por encima de los cocineros..." Carta de W. A. Mozart a su padre
"Príncipe, lo que vos sois, lo sois accidentalmente por nacimiento. Lo que yo soy, lo soy por mí mismo. Hay y habrá miles de príncipes , pero solamente hay un Beethoven" Palabras de Beethoven a su protector, el príncipe Lichnovsky.
"(...) mi situación personal en este momento es bastante desesperante, pues no sólo mi editorial se ha convertido en una empresa nazi- al propietario y a los directores simplemente les señalaron la puerta-, sino que tambien la A.K.N., que es una sociedad vienesa, acaba de ser nazificada. Precisamente acabo de recibir un cuestionario escandaloso sobre quénes eran mis abuelos y otras cosas; en una palabra: "¿Es usted de raza germánica, de raza similar, o no ario?". Naturalemente, ni Kodaly ni yo lo hemos rellenado..." Carta del compositor B. Bartók a Mme. Müller. Fechada en Budapest, 13 de abril de 1938.
Como sabéis estamos realizando un breve recorrido por la Historia de la Música a través de presentaciones y de fichas, con ello pretendo que tengáis una visión más completa de la Historia de la Cultura, relacionando los diferentes contenidos que habéis trabajado durante el Bachillerato en Historia, Filosofía, Literatura,etc. Todo esto, os ayudará a comprender por qué se produjeron esos estilos que se han denominado con etiquetas como Clasicismo, Romanticismo o Impresionismo. En los enlaces de este blog, podéis encontrar presentaciones que os ayudarán a profundizar en este tema y audiciones, además de un blog dedicado a la apreciación musical. Debéis entender que para comprender la música que se produce en la actualidad debemos conocer cuales son sus antepasados.
Cuando tratamos el tema de la relación de cine y música,estamos haciéndolo de una de las más fructíferas que se han producido en la historia del arte. Esta se produjo desde el mismo momento en el que el cine comenzó su andadura, al principio con una función eminentemente práctica, atenuar con la música el ruido que producían las máquinas de proyección, unido al barullo que según las crónicas formaban los espectadores, para posteriormente cobrar una dimensión mucho más rica como elemento expresivo de primer orden. Esta película es un buen ejemplo de como se incorporaba la música en las proyecciones cinematográficas, en concreto, la música que vais a escuchar fue compuesta para su estreno en Berlín por Edmund Meisel en 1925, reconstruida, adaptada y dirigida por Helmut Imig, e interpretada por Deutsches Filmorchester. Con la visión este film, nos acercaremos a uno de los padres del llamado séptimo arte, ya que estableció algunos de los pilares fundamentales del lenguaje y montaje cinematográficos. En sus dos últimas obras maestras, "Alexander Nevsky" y la inacabada trilogía sobre "Ivan el Terrible", estableció una colaboración con Sergéi Prokofiev, dando resultados de gran calidad.
Aquí os dejo un fragmento de la primera de ellas, que desde el punto de vista musical sería más apropiada para lo que estamos trabajando, pero pienso que os puede resultar en su conjunto más ardua.
A partir de este miércoles vamos a comenzar a ver algunas películas significativas tanto desde el punto de vista cinematográfico como desde el musical. La primera de ellas será "El Acorazado Potemkin" , película de 1925 del cineasta ruso Sergei Eisenstein. Es considerada una de las más grandes películas de la historia del cine.
La música fue escrita originalmente por Edmund Meisel en un período de 12 días debido a una tardía aprobación por causa de la censura impuesta, lo que se reflejó en largas repeticiones de diversas partes de la composición a fin de completar la obra para una orquesta de salón compuesta por flauta, trompeta, trombón, percusiones y cuerdas. Mark-Andreas Schlingensiepen depuró la obra para el piano en la versión actual del filme.
En la versión en formato de DVD, la trama es acompañada con piezas de música clásica de compositores tales como Dmitri Shostakóvich y Nikolai Kriukov. En un intento de hacer el filme mas acorde con el siglo XXI, los integrantes del grupo Pet Shop Boys compusieron una nueva pista de audio en 2004, acompañada por la Orquesta Sinfónica de Dresde. La música fue lanzada como Battleship Potemkin en 2005, y fue ejecutada en septiembre de 2004 al aire libre en un concierto en el Trafalgar Square de Londres.
Bueno, sigo anticipando algunas de las actividades que vamos a realizar en París. En este caso, se trata de la visita a la Cité de la musique, donde podremos acceder a uno de los mejores museos de la música del mundo, imaginaros yo estoy entusiasmado, toda una ciudad dedicada a la música. Para aquellos que queráis profundizar en este tema aquí tenéis su página web: http://www.cite-musique.fr/francais/musee/presentation.aspx
Como sabéis llevamos trabajando las cualidades del sonido durante tres Unidades y todavía nos queda por ver el timbre. Para entender mejor estos conceptos, vamos a ver en clase y aquellos que tengáis internet, tambien podéis hacerlo en casa, esta presentación.
Aunque todavía no hemos terminado el bloque de historia de la música, sigo avanzando en este bloque que va ocupar gran parte de la 2ª evaluación. En este caso, os he seleccionado cuatro fragmentos de algunas de las bandas sonoras más importantes de la historia del cine. El primero es de la película "El delator" con música de Max Steiner, como veremos un compositor clave para entender como se incorpora la técnica del leimotiv en el cine y con la que obtuvo un Oscar. El segundo, pertenece a la película "Qué verde era mi valle", cuya banda sonora compuso Alfred Newman. En el tercero nos vamos a "Ben Hur", donde Miklos Rozsa obtuvo el Oscar a la mejor banda sonora de 1959. Por último, el archiconocido fragmento de Bernard Herrmann de "Psicosis".
Ahora, vamos a centrarnos en dos texturas que podemos ver claramente a través del "Mesías de Haendel", concretamente en el Aleluya. Aquí, se produce una alternancia entre la Homofonía, donde las distintas voces simultáneas tienen un ritmo similar y por tanto suenan en bloque y la Contrapuntística, donde las voces se van pasando el relevo del protagonismo, dando la sensación de una persecución entre ellas. En el segundo vídeo, podéis ver en la partitura lo que acabo de comentar. Por último, en esta dirección vamos a escuchar una serie de audiciones características en cuanto a su textura musical e identificaremos a cual de ellas corresponden. http://www.box.net/shared/ofp32xblcv
Cuando hablamos de texturas en música, hacemos referencia a la manera de combinar las distintas voces en una composición, desde la más sencilla, es decir, la monodía hasta la forma más compleja, el contrapunto. En el siguiente vídeo vamos a ver un buen ejemplo de monodía acompañada, donde una voz principal interpretada por un contratenor es acompañada por un grupo instrumental. Fijaros en lo peculiar de esta voz y en los instrumentos que aparecen, ya que son instrumentos históricos.
En esta Unidad vamos a trabajar el vídeo musical "Bohemian Rhapsody" de Queen, por lo que nos acercaremos a este grupo británico de rock. Para ello vamos a visitar esta página y a buscar información sobre los principales datos del grupo y sus discos más emblemáticos.
Seguimos trabajando, ahora vamos a ver el siguiente vídeo donde aparecen diferentes danzas de Extremadura. Debemos buscar información sobre cada una de ellas: tipo de danza, componentes que la forman, zona en la que tiene un mayor arraigo, etc.
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